Alors que l’intelligence artificielle générative s’insinue dans chaque recoin de la création visuelle, du design à l’animation en passant par l’illustration, le monde du jeu vidéo – et plus précisément les studios japonais – semble adopter une posture de méfiance grandissante. Dans une industrie où le visuel est roi et où chaque détail artistique peut façonner l’identité d’un jeu, savoir qui est réellement à l’origine d’une œuvre devient une question cruciale.
Face à cette incertitude, certains développeurs nippons ont décidé de revoir en profondeur leur processus de recrutement. Un article publié sur le site Daily Shinko a récemment dévoilé un changement majeur : désormais, certains studios demandent à leurs candidats de dessiner en direct durant l’entretien d’embauche. Objectif ? S’assurer que les œuvres présentées ne sont pas l’œuvre d’un logiciel d’IA, mais bien de la main du postulant.
Ce virage surprenant — presque rétrograde à première vue — soulève de nombreuses interrogations. Entre crainte de l’usurpation artistique, remise en question des outils technologiques et doutes croissants sur la nécessité même d’embaucher des artistes, l’industrie japonaise se trouve à un carrefour stratégique.
« C’est contraignant, et j’ai l’impression de régresser, mais plusieurs autres entreprises font de même », témoigne un recruteur anonyme.
Alors que certains y voient une réponse saine à un problème réel, d’autres s’inquiètent d’une standardisation aux relents de défiance. Une chose est sûre : le bras de fer entre artistes humains et intelligence artificielle est plus palpable que jamais.
Pourquoi les studios japonais reviennent au « live drawing » en entretien
Le problème des portfolios « IA-friendly »
Depuis l’essor des outils comme Midjourney, DALL·E ou Stable Diffusion, la frontière entre création humaine et production générée par IA est devenue de plus en plus floue. Sur le papier, une illustration hyper détaillée ou un concept art léché peut parfaitement être l’œuvre d’un programme entraîné sur des milliards d’images… ou d’un artiste accompli. Cette ambiguïté a donné naissance à une nouvelle problématique pour les recruteurs : comment distinguer l’artiste du prompt engineer ?
De plus en plus de candidats soumettent des portfolios bluffants, mais dans lesquels certaines œuvres sont partiellement — voire entièrement — issues d’une IA générative. Parfois sans le préciser, voire en revendiquant une paternité complète. Ce phénomène a semé le doute dans les départements RH et les équipes artistiques, où des profils recrutés sur des visuels impressionnants se sont révélés incompétents une fois confrontés aux véritables exigences de production.
« Nous avons fini par embaucher de telles personnes, pour nous apercevoir ensuite qu'elles n’étaient pas productives », confie un chef graphiste anonyme.
Cette situation a engendré une perte de temps, de ressources, et de crédibilité pour les équipes. Le portfolio, autrefois preuve d’un savoir-faire personnel, devient aujourd’hui suspect s’il n’est pas accompagné de garanties.
Témoignage d’un studio et application de la méthode
C’est pour cette raison qu’un studio japonais, dont un chef graphiste a choisi de garder l’anonymat, a adopté une nouvelle approche drastique : faire dessiner les candidats pendant l’entretien. Que ce soit sur tablette ou papier, chaque postulant est désormais invité à créer une œuvre originale sur place, face à l’équipe de recrutement.
L’objectif n’est pas tant d’évaluer un style ou une finition professionnelle, mais plutôt de confirmer les compétences de base : composition, proportions, imagination, et surtout, la capacité à produire en situation réelle. Ce test, bien qu’intrusif pour certains, s’impose comme une réponse pragmatique à l’invasion de l’IA dans les démarches de candidature.
Cette pratique, loin d’être isolée, tend à se généraliser. Plusieurs studios japonais auraient adopté une méthode similaire, témoignant d’un malaise partagé dans l’industrie.
Avantages et limites de cette approche pour les recruteurs
Ce que le live drawing garantit
À première vue, demander à un candidat de dessiner en direct peut sembler rigide ou démodé. Pourtant, cette méthode apporte plusieurs avantages concrets dans le contexte actuel. Elle permet d’éliminer les doutes liés à l’utilisation d’outils automatisés. Le dessin en direct est une preuve incontestable de compétence technique et créative, qu’aucun prompt généré par IA ne peut simuler en situation réelle.
Cette pratique permet aussi de mieux observer :
- la manière dont un artiste construit une image (croquis, esquisse, finalisation),
- son rapport à l’improvisation,
- sa capacité à gérer le stress,
- et son adaptabilité face aux demandes spécifiques d’un directeur artistique.
« C’est une manière de voir si la personne pense comme un artiste ou agit comme un utilisateur d’IA », résume un superviseur artistique.
Enfin, pour des postes de création rapide (comme dans le mobile gaming ou les jeux en live service), cette épreuve peut même révéler un plus grand potentiel de production que le simple portfolio.
Les contraintes pour les studios
Mais cette méthode n’est pas sans poser problème. Organiser des sessions de live drawing pendant les entretiens nécessite du temps, des moyens matériels et humains, ainsi qu’un environnement propice à la création. Tout cela augmente la charge de travail des recruteurs, qui doivent non seulement juger une œuvre sur le vif, mais aussi garantir un minimum d’équité entre les candidats.
Plus encore, certains artistes peuvent se sentir mal à l’aise ou bloqués par le stress d’une performance en temps limité. Cela peut fausser leur évaluation, surtout s’ils excellent en dehors de ce contexte. On peut aussi y voir une forme de défiance implicite : ne plus croire en la véracité d’un portfolio, c’est remettre en question la parole du candidat, ce qui peut instaurer un climat de suspicion.
Enfin, cette démarche peut sembler archaïque à certains professionnels aguerris, qui y voient un retour aux tests scolaires plutôt qu’une reconnaissance de leur expérience. Ce ressenti est d’ailleurs partagé par le recruteur interrogé dans Daily Shinko, qui déclare :
« En tant que recruteur, j’ai l’impression de régresser. »
En résumé, bien que le live drawing ait une utilité concrète, il ouvre aussi un débat sur la manière dont les studios abordent l’évolution technologique — et la confiance qu’ils accordent aux talents.
Risques et critiques — l’IA, muse ou concurrente ?
Certains dirigeants remettent en question l'embauche d’artistes
Si certains studios japonais cherchent à se protéger des abus liés à l’IA en testant les compétences en direct, d’autres dirigeants vont plus loin dans leur réflexion — voire dans leur pragmatisme économique. Une question émerge avec insistance : a-t-on encore besoin d’embaucher des artistes humains, quand les outils d’intelligence artificielle peuvent générer des visuels impressionnants en quelques secondes, et à moindre coût ?
En interne, cette réflexion n’est plus taboue. Plusieurs décideurs de studios envisagent de réduire, voire d’éliminer certains postes artistiques jugés « automatisables ». L’argument ? Une IA, bien entraînée et bien dirigée, peut produire rapidement des images conceptuelles, des variantes de personnages ou d’environnements, sans fatigue ni revendications contractuelles.
Le risque est alors clair : l’humain devient secondaire, relégué à des tâches de supervision ou de correction, et non plus de création. Le processus artistique se robotise, au détriment de la sensibilité, de la narration visuelle, et parfois même de la cohérence artistique globale d’un projet.
« Pourquoi payer plusieurs illustrateurs quand une IA peut générer 100 itérations d’un personnage en moins de deux minutes ? », entend-on dans certaines réunions de direction.
Ce type de discours, bien que minoritaire pour l’instant, pourrait rapidement s’imposer dans les studios soucieux de rentabilité et de production accélérée, notamment dans les jeux mobiles ou les titres à faible budget.
L’IA face à la valeur de la création humaine
Mais réduire le rôle de l’artiste à un simple générateur d’images serait oublier un élément fondamental : l’âme derrière chaque création. Une IA peut imiter, combiner, styliser — mais elle ne peut pas ressentir, raconter, ou innover de manière authentique. Elle se base sur des données existantes, là où l’artiste humain apporte une perspective unique, une émotion, une intention.
Le danger d’un monde vidé de sa création humaine est de produire des jeux visuellement cohérents… mais dénués de personnalité. Le risque n’est pas seulement artistique, mais aussi éthique et légal : qui détient les droits d’une œuvre générée par IA ? L’utilisateur, le développeur de l’algorithme, ou personne ?
Des voix s’élèvent pour défendre la création humaine comme un pilier essentiel de l’identité culturelle et artistique d’un jeu vidéo. Et dans une industrie où la différenciation est clé, miser sur des artistes capables d’apporter une vision originale peut rester un atout stratégique majeur.
« L’art, c’est ce qui échappe à la prédiction. C’est ce qui surprend, ce qui dérange, ce qui émeut », disait un ancien directeur artistique japonais. L’IA, malgré ses prouesses, n’en est pas encore là.
Vers l’avenir : comment les studios peuvent s’adapter face à l’IA
Être formel sur l’usage d’IA : transparence, crédits, quotas
Pour éviter que la méfiance ne s’installe durablement entre studios et artistes, une première étape évidente serait d’instaurer des règles claires autour de l’usage de l’intelligence artificielle. De plus en plus de professionnels appellent à une transparence systématique : si une création inclut de l’IA, cela devrait être indiqué dès le portfolio, voire au sein du fichier source ou du processus de création.
Certaines entreprises envisagent déjà :
- d’exiger des candidatures 100 % sans IA,
- de fixer des quotas d’usage toléré d’IA (par exemple pour les fonds ou les effets spéciaux),
- ou même d’utiliser des logiciels de détection d’images générées.
Des solutions techniques, comme les empreintes numériques ou les métadonnées intégrées aux fichiers, pourraient également être mises en place pour identifier rapidement si une image provient d’un modèle génératif.
Cela dit, une transparence totale ne pourra être atteinte qu’avec l’instauration de standards sectoriels, et une collaboration entre développeurs, studios et plateformes de création.
Redéfinir le rôle de l’artiste dans un monde assisté par IA
Mais au lieu de se battre frontalement contre l’IA, certains studios préfèrent réinventer la fonction même de l’artiste dans leur production. L’artiste ne serait plus simplement celui qui dessine, mais celui qui imagine, dirige, corrige et donne du sens à des images — qu’elles soient faites à la main ou générées par un outil.
Cela passe par des rôles élargis tels que :
- directeur artistique,
- superviseur de style,
- concepteur d’univers,
- ou encore formateur d’IA (curation de dataset, ajustement de style).
Dans cette optique, l’artiste devient un auteur, un narrateur visuel, et non plus un simple exécutant. Cela le rend bien plus difficile à remplacer, car il agit en chef d’orchestre de l’expérience esthétique du jeu.
« Un pinceau peut être tenu par n’importe qui, mais c’est la main et l’intention derrière qui font la différence. Il en va de même avec l’IA. »
En intégrant ces nouvelles dynamiques, les studios pourraient transformer l’IA en alliée créative, plutôt qu’en menace pour l’emploi artistique.
En quelques mots
Alors que l’intelligence artificielle bouleverse les pratiques artistiques, certains studios japonais ont décidé de revenir à une forme de vérification très humaine : dessiner en direct. Une réponse directe aux doutes croissants sur la provenance des œuvres soumises par les candidats, mais aussi un symptôme d’une inquiétude plus vaste qui traverse l’industrie du jeu vidéo : quelle place pour les artistes face à l’automatisation créative ?
Ce recours au live drawing, bien qu’efficace, révèle les limites d’un modèle de recrutement qui doit encore s’adapter aux mutations en cours. Car au-delà de la surveillance, c’est bien une redéfinition du rôle de l’artiste qui s’impose. Ne plus seulement juger une capacité à produire, mais aussi à concevoir, à raconter, à guider — des choses qu’aucune IA ne sait (encore) faire.
La question reste ouverte : jusqu’où les studios iront-ils pour préserver l’authenticité artistique ? Et surtout, sauront-ils faire de l’IA un outil au service des créateurs, plutôt qu’un substitut à la création elle-même ?
